Йоргос Лантимос - талантливый греческий режиссер, имеющий свой стиль, отличающийся созданием условных миров, где герои существуют в о системе взаимоотношений, регулируемых особыми установками и правилами. Режиссера волнует вопрос бессилия человека перед роком, предопределенностью судьбы, которая висит над ним, как карающий меч. В этой картине его мироощущение сгущается до предела. Эстетски-абсурдистские изыски начинают переходить в полное ощущение безумия, и древнегреческая трагедия превращается в запутанный и гнетущий триллер.

Однако сам автор, рассуждая о созданном им зрелище, говорит, что сам-то он иронично подходит к этой странноватой и вязкой атмосфере. Для того, чтобы разделить подход режиссера нужно обладать весьма извращенным пониманием иронии, поскольку даже на черную комедию эта картина совершенно не похожа. Нет ничего похожего на комичность ни в фабуле, ни в сюжете, ни в режиссёрском воплощении. Мрачная трагедия, но изложенная в современной форме, за что особый респект, но зрелище от этого не становится менее гнетущим.

С точки зрения визуальной, фильм сделан безупречно. Но чтобы понять все прелести этого эстетского зрелища зрителю необходимо обладать недюжинным интеллектом в области изобразительного искусства. Главные герои явно решены в стиле античной скульптуры, многие сцены соотносятся с известными картинами. Например, разговор героя с супругой кардиохирурга вызывает устойчиво аллюзию с живописными работами итальянского художника, творившего в середине и конце 20-го века Ренато Гуттузо, а постельная сцена четы Мёрфи, вообще, почти оживший «ночной кошмар» швейцарско-английского живописца конца 18-го начала 19-го века Генри Фюзели. Для продвинутого зрителя это будет дополнительным бонусом, а для тех, кто не так глубоко разбирается в истории живописи, хотя и останется неосознанным, все же добавляет эстетичного разнообразия и изыска. Режиссер применяет свой излюбленный прием визуального минимализма, в котором ощущение хтонического ужаса становится еще более выпуклым в условиях полного абсурда и нелогичности происходящих событий. Отлично вписались в стилистику и Кидман с Фаррелом, демонстрируя вершины своего профессионализма. Под стать им и совсем молодой актер Барри Кеоган. Его маньяк-философ весьма убедителен в своем омерзительном образе.

Лично у меня вызвала некоторые сомнения основная идея о ненужности прощения, и то, что за каждую провинность есть лишь одно достойное возмездие – кровь… И где же тут ирония, о которой говорит Лантимос…

Алексей Герман младший – талантливый отпрыск великого режиссера Алексея Германа старшего, унаследовавший от родителя депрессивный и неприязненный взгляд и на Россию, и на ее недавнее, но уже ставшее легендарным советское прошлое.

Жанр можно назвать модным словом байопик, но на самом деле это скорее экранизация полу автобиографической прозы Сергея Довлатова – культового и легендарного автора позднего застоя, писателя невероятно талантливого, тонко чувствовавшего свое время и способного его передать в изумительной, ироничной и тонкой прозе. Интересно, что по сути, ничего антисоветского в его литературе нет, просто как-то она не совпадала с мировосприятием тогдашних начальников… Да и уезжать он не слишком хотел, да и в Штатах, несмотря на относительный успех своего литературного творчества там и даже определенной востребованности. Ведь он один из немногих, кого с удовольствием публиковали в наиболее престижном штатовском журнале «Нью-Йоркер»… И тем не менее, не смог он там прижиться, а потому и пил по-черному, и из жизни ушел не дожив до пятидесяти… Так что не спас его воздух чужой свободы. Но вернемся к фильму.

Действие происходит в махровые застойные 70-е в Ленинграде и в Риге, куда Довлатов уехал от греха подальше. Герман удивительно тонко и даже несколько эстетски создает ту вязкую атмосферу, в которой находилась в то время советская интеллигенция. Бесконечные блуждания и совершенно беспросветное будущее. Скука и полная стагнация духа. Наверное, тогда им искренне казалось, что это именно так. Но лично мне, кажется, что все тогда было не так уж скверно. По крайней мере, по сравнению с тем, что началось в 90-е. Да и сейчас не намного лучше. А в те времена, когда государство за человека все решало, давало ему прожиточный минимум, жилье, непыльную работу, может быть скучноватое, но вполне предсказуемое и по минимуму обеспеченное будущее с бесплатным жильем и образованием, медициной и другими «жуткими» реалиями социализма, у граждан оставалась масса свободного времени для копания в недостатках системы, для мыслей о свободе, для трагического ощущения духоты…

И Герману вслед за Довлатовым удается все это передать. Талантливо. Ничего не попишешь. Лента вызвала бурю восторгов, в том числе в Европе, где вокруг нее развернулась весьма оживленное обсуждение. На Берлинаре картина получала специальный приз за выдающийся художественный вклад.

Осталось добавить, что Довлатова сыграл сербский актер Милан Марич, и он поразительно похож на писателя, что в сочетании с хорошей игрой производит впечатление.

Гарт Дэвис – австралийский режиссер, заявивший о себе в полный рост свой дебютной полнометражной картиной под названием «Лев», которая собрала ряд престижных наград. Правда к тому времени он не был таким уж новичком, и за плечами режиссера было несколько коротких метров, документальная лента и пара сериалов, которые тоже получали награды и похвалы критиков. Но «Лев» сразу номинировали на Золотой глобус и Оскара, да и публика от него пришла в полный восторг.

И вот для закрепления успеха Гарт решил взяться за библейский сюжет, да еще потрафить феминисткам, поскольку центральным персонажем у него стала весьма неоднозначная героиня евангельских приключений Мария Магдалина, вызывающая и спустя более двух тысяч лет жаркие споры вокруг своей персоны. Но несмотря на жгучие желание понравиться, что видно невооруженным глазом, эта работа не была замечена и фестивальными деятелями, а потому ни на один из них так и не попала. Хот обе ленты посвящены социальным проблемам, подходы к раскрытию темы разные. В «Льве» автор идет от личного переживания героя – маленького обитателя индийских трущоб – к общей проблеме перенаселения, нищеты и недоедания, а в «Магдалине» все наоборот. Здесь общечеловеческий библейский и даже философский сюжет глобального масштаба хотя бы уже по причине первоисточника, сводится к конкретной социально-общественной проблеме угнетения женщины.

Взяв за основу общеизвестную историю о раскаявшейся блуднице, ставшей самой любимой ученицей Спасителя, сценаристки Хелен Эдмундсон и Филиппа Гослетт во главе с режиссером значительно его осовременили и актуализировали, исходя из последних трендов. По предложенной ими версии эта самая Мария из Магдалы и стала первой феминисткой, став яростной проповедницей идеи равенства полов, и именно на почве этого отринувшая все условности и предрассудки своего общества, проповедуя в те далекие времена сексуальную раскрепощенность со всеми вытекающими последствиями. Однако, скажем прямо, идея равенства вскоре плавно перетекает в идею превосходства над глупыми мужчинами, которые даже идеи своего Учителя правильно понять не в состоянии. А поняла их только Мария, которая и пыталась растолковать этим мужланам, что Царствие Небесное нельзя обрести на земле, оно только внутри нас, и использовать его в качестве предлога для свершения революции и свержения ненавистного Рима не получится… Однако отметим, что данная сакраментальная идея в реальности пришла в голову не Марии, а как раз мужчине по имени Савл, который потом стал всем известным Павлом. Но что нам – феминисткам история религии…

В последнее время все больший интерес зрителей вызывают байопики. И нужно казать, что кинематографисты сейчас делают их действительно качественно и очень интересно. Они не только рассказывают о вехах судьбы какой-то известной личности, но и погружают зрителя в соответствующую эпоху, а если речь идет о писателе или художнике, применяют еще и приемы психологической драмы, углубляясь в глубины подсознания героя, которое порождает такие потрясающие шедевры… В общем, просто кино-фрейд! Зрелище от этого становится объемным и очень увлекательным. И тут велика роль сценариста. С одной стороны он загнан в рамки конкретной линии жизни, а с другой ему нужно наполнить ее своим видением проблемы, раскрыть и насытить ее деталями.

В этой картине главной героиней является английская писательница Мэри Шелли, которая в середине 19-го века в возрасте 21 года, практически, создала новый жанр хоррора, создав одного из самых долгоиграющих образов в мировой культуре – Франкенштейна.

За режиссуру тоже взялась женщина, причем, талантливая. Хайфа Эль-Мансура в своем активе уже имеет высшую награду Венецианского фестиваля «Золотого льва», а также была номинанткой Оскара. Назвала она свою картины вполне лаконично «Мэри Шелли», однако российские переводчики усложнили названием, сделав весьма тонкую аллюзию со знаменитой сказкой, делая намек на сложную личную жизнь писательницы, в девичестве Годвин, и ее непростые отношения с мужем Перси Шелли, который тоже был писателем, и весьма известным радикальным деятелем.

На главные роли пригласили молодых и очень популярных актеров. Мэри играет Эль Фаннинг, известная по проектам «Малефисента» или «Неоновый демон», а Перси сыграл Дуглас Бут. Сердцеед юных особ женского пола. Особенно он запомнившейся по роли в картине («Ван Гог. С любовью, Винсент».

Кроме интересной и полной событиями истории Мэри Шелли и популярных актеров есть в этой картине и еще одна трендовая фишка. Феминистические мотивы раскрываются весьма тонко и искренне, поскольку сама Хайфа родом из Саудовской Аравии, и, таким образом, тема приобретает очень личную окраску, поскольку ее раскрывает женщина, ощутившая на себе все прелести гендерного неравенства, и все же добившаяся своей цели. Смело можно сказать, что положение женщины в Саудовской Аравии сейчас вполне сопоставимо, с тем, что было в Британии в начале 19-го столетия… Поэтому данная тематика в исполнении Хайфы органична и не вызывает неприязни в связи с последними хайповыми тенденциями в данном направлении.

Экранизация рассказа культового японского писателя Мураками под названием «Сжечь сарай». И взялся за него тоже дальневосточный режиссер, южнокореец Ли Чхан-дон. И первоисточник, и интерпретатор заслуживают самых превосходных степеней в плане профессионализма. В карьере режиссёра это шестая работа, и каждая из его картин всегда вызывала восторги зрителей и, что немаловажно, критиков. И этот фильм не стал исключением, поэтому, когда лента попала в конкурсную программу Каннского фестиваля, многие эксперты прогнозировали, что на получит много престижных призов, вплоть до Пальмовой ветви. Но, увы… Не сложилось, и все обошлось лишь специальным призом кинокритиков.

В своей картине Ли Чхан-дон, с одной стороны, придерживается всего того, что написал Мураками в своей новелле, вплоть до неймдроппинга, который так любят применять в своих произведениях японцы. Как правило, это обилие знакомых имен и названий используется для расширения базы для смысловых аллюзий. Например, указывается, что главный герой является поклонником творчества американского писателя Фолкнера, другой герой сопоставляется с Великим Гетсби, в музыкальном оформлении использованы композиции знаменитого джазового музыканта Майлза Дэвиса, который тоже упоминается Мураками в его рассказе. Но с другой, он превращает очень короткий, отличающийся лаконизмом рассказ в жанре романтико-философской притчи в эпический, медленно развивающийся триллер с явной претензией на экзестенциальность.

Взяв за основу компактную загадку, описанную Мураками, кореец начинает ее достраивать массой переплетающихся и наслаивающихся друг на друга тайн, используя прием повторения иллюзорно-мистических деталей, и не совсем понятно, существуют ли они лишь в воспаленном сознании героев или в реальности. А зрителям эти детали то дают тонкую нить к разгадке, то уводят от нее, все больше запутывая. Я не буду описывать все эти туманные коллизии, но именно они создают атмосферу.

В картине явно прослеживаются и реминисценции с двумя работами классика итальянского кино Микеланджело Антониони. Из «Приключения» позаимствован сюжетный твист, а из «Фотоувеличения» прием с мимами. Да и главный посыл тоже явное развитие идей Антониони по поводу того, что смыслы могут рождаться из пустых мечтаний, а самая кондовая реальность может быть лишь большой иллюзией.

Однако несмотря на всю таинственность и мистичность происходящего, Ли Чхан-дон не забывает сделать свое высказывание о современных реалиях своей страны, хотя и делает это очень деликатно, словно на полях…

Этот фильм японского режиссера Хирокадзу Корээда в 2018 году взял в Каннах главный приз. В общем-то Корээда кинодеятель со стажем, и на его счету около десятка картин, и все весьма достойных, а некоторые из них и вообще можно назвать шедеврами. Однако широкая слава пришла к нему только сейчас, когда в его руках оказалась Золотая пальмовая ветвь. Самому режиссеру уже около шестидесяти, и вполне можно было бы подумать, что дали ему награду, так сказать за выслугу лет и за общие заслуги перед кинематографом. И хотя, все это имеет право на то, чтобы быть правдой, все же и сама лента вполне достойна самых высоких похвал. Он явно находится в отличной творческой форме, и эта картина, безусловно, встанет в ряд его лучших работ.

Российскому зрителю ее показали на фестивале Strelka Film Festival by Okko. Наша критика в основном определила фильм, как обычный. И если этот термин означает, что речь там идет о повседневности, будничной жизни бедной семьи, находящейся уже даже не на грани нищеты, а за ней, то, наверное, это определение справедливо. Однако в отношении самого построения сюжета, прорисовки характеров персонажей, да и вообще мировоззренческий посыл, то здесь все не так уж просто.

Я бы это назвала лаконичной строгостью изложения, но никак не простотой. Вообще в стиле этого режиссера не наблюдается сопливой мелодраматичности, он никогда не нагнетает умопомрачительный экшн. У него все буднично, но от этого не страдают ни глубина, ни красота отношений…

Да, собственно, в сюжете не так уж много сцен воровства, которое заявлено в названии. Но это не вина режиссера, а тех, кто переводил названием. Дело в том, что в оригинале оно звучит, как «Manbiki kazoku», что означает нечто вроде «семейное воровство в магазинах». Так что здесь скорее не о действиях, а о социальном явлении.

Основная мысль проекта насчитывает пару тысяч лет. Помнится еще в Евангелии было о том, родство людей определяется не по крови, а по духу. Но, как любой большой художник, Корээда наполняет прописную истину новыми смыслами, от чего она не становится не иной, а актуальной. Он просто и без затей говорит нам о том, что для того, чтобы быть человеком нужно всего лишь сделать усилие над собой. И это не зависит ни от финансового, ни от социального положения… Хочешь быть настоящим отцом, просто будь им, хочешь быть настоящей матерью, просто работай над этим. Просто… Но ведь всем нам известно, что это совсем не просто. И режиссер говорит об этом тонко и деликатно.

И как любой хороший режиссер, мастер не расставляет все точки над «і», оставляя многое за кадром…

Картина совсем молодого режиссера Элайджа Байнум, при этом дебютная картина. И тут нужно оговориться, что до этого данный Эолайджа в режиссуре замечен не был. В его активе нет даже самой завалящей короткометражки, да что там короткометражки, даже какого-нибудь хилого музыкального клипа или самого галимого рекламного ролика… Так что, можно только удивляться, как настолько новичку дали сразу снять полный метр, и при этом у него это неплохо получилось. Конечно, не без огрехов, и если смотреть по большому счету, то лента вполне себе сырая, если не сказать дилетантская, однако в ней есть своя атмосфера, свой стиль, и даже некоторые маленькие достижения. Ну, конечно, не в общем понимании кино, а конкретно для этого режиссера.

Сценарий к картине он написал самолично, и сделал это еще в 2013 году, и тогда это тоже был его первый опыт, причем не такой уж неудачный, поскольку его сценарий, попал в знаменитый голливудский «черный список», куда попадают сценарии, признанные критиками интересными, но так и не нашедшие пути к реализации. Иногда такие истории вытаскиваются на свет божий известными режиссёрами или студиями, но в данном случае, вероятно, Элайдже пришлось самому искать средства, и нашел он их только через шесть лет. Но это тоже говорит о том, что человек он не только талантливый, но и вполне целеустремленный.

Хотя, справедливости ради нужно сказать, что продюсеров вполне можно понять, поскольку даже названием никак не ассоциируется с чем-то новым, оригинальным и невиданным, как и то, что в конечном итоге получилось. Мило, обаятельно, но не более… Однако и не менее, что для начинающего вполне нормально.

Кроме того, следует отметить замечательную работу Хавьера Хулиа прекрасного оператора из Аргентины, известного своей работой в фильме «Дикие истории». Думаю, именно благодаря его таланту и чутью лента получилась невероятно красивой визуально.

Также стоит отметить, что тут явно прослеживается начало тренда поэтизации 90-х годов, которые явно уже отходят в разряд ретро эпох, и создатели старательно пытаются воссоздать аромат эпохи, и для этого используются отсылки к известным картинам того времени. Например в кинотеатрах идет «Терминатор 2», который смотрят герои, в саундтреке присутствует две вокальные композиции из «Плохих парней», да и вся стилистика явно отсылает к той эпохе. Но мне кажется, что всего этого несколько слишком. В общем, немного пересолил.

Участие таких звезд Монро и Шаламэ, конечно радует, но их персонажи настолько стандартны, что развернуться в плане тонкости игры им негде…

Третья картина молодого, но уже довольно опытного режиссера Ивана Твердовского, которому в этом году исполнилось 29 лет, которую он представил на фестивале Strelka Film Festival by Okko. И от раза к разу Иван демонстрирует несомненный рост мастерства, делая все более зрелые и интересные картины со всех точек зрения. И чего у него уж точно не отнять, так это чувства стиля.

Режиссер не старается сделать нечто оригинальное за счет зрителя. И жанр выбран вполне мейн-стримовский, это триллер, но и всевозможных неординарных фишек там достаточно, так что получается одновременно увлекательное и стильное зрелище. Я не буду рассказывать содержание. Во-первых, это совершенно нецелесообразно, поскольку, чем меньше зритель знает об этой ленте, тем больше удивления и неожиданных эмоций от причудливых переплетений сюжета ему предстоит во время просмотра. А во-вторых, автору удается, рассказывая вполне захватывающую историю, делать ее так, что во всем проекте это становится не главным.

Картина наполнена весьма характерными для нуара темными, неоновыми тонами, насыщенными яркими эффектами, рассчитанными на визуальное восприятие. И тут, конечно, очень большая заслуга оператора Дениса Аларкона Рамиреса. И все это играет на раскрытие отношений между героями, например, весьма интригующие они между сыном и матерью. Но вся эта сложность не нагружает, поскольку оформляется продуманным фоном отличных диалогов, насыщенных тонким юмором, и великолепным музыкальным оформлением. С одной стороны здесь звучит авторская музыка молодого композитора, работающего в жанре неоклассики Кирилла Рихтера, а с другой присутствует реальное дыхание современного молодёжного саунда в виде хитов Луны и Дорна.

Сам Твердовский квалифицирует свой опус, как притчу, а потому он не стесняется некой условности происходящего, что критиками может быть отнесено к не проработанности сценария. Может быть и так, однако мне, например, это нисколько не мешало. Напротив, эта некоторая неопределенность деталей, дает возможность не привязываться к некому узнаваемому месту, а в реалиях города явно можно ощутить Москву, а просто ощутить эти черты мегаполиса, который похож на все другие сверхбольшие города своим стилем жизни.

С другой стороны, здесь присутствуют и детально проработанные бытовые сцены, например в суде, которые вызывают одновременно омерзение и смех. Но смех какой-то нехороший…

Нет это не социальная сатира, по-моему, а метафора того, что пока кто-то терпит, его будут бить, и пока кому-то по кайфу подбрасываться, его будут подбрасывать.

Помнится в Советском Союзе был такой жанр «производственная драма», и почему то все думали, что присуще только нашему шаблонному кинематографу, в то время, как на западе кино интересуется исключительно чувствами, а не трудовым процессом. Но, как оказывается, и там есть нечто подобное, и о чувствах вполне можно рассказывать на фоне производственных отношений и проблем.

Кроме того, производственное помещение вполне может послужить тем ограничителем, который так необходим творческим людям для того, чтобы их мысль и идеи не растекались бесформенной массой куда попало, а замкнутые в определенный рамки становились четкими, оригинальными и интересными.

Такими ограничителями для Томаса Штубера – немецкого режиссера, снявшего эту ленту стали во-первых роман Клеменса Мейера, по которому и был написан сценарий, а во-вторых замкнутое пространство гипермаркета, в котором и разворачиваются все события. И сюда были помещены герой с героиней, которых сыграли замечательные немецкие актеры Сандра Хюллер и Франц Роговски. Они известны зрителям по картинам «Тони Эрдманн» и «Хэппи Энд» соответственно, и им удалось создать весьма яркий и харизматичный тандем, за которым было действительно интересно наблюдать.

В результате получилось весьма красивое и даже талантливое кино, ставшее украшением нынешнего Берлинаре, хотя и не взявшее никаких наград.

Безусловно, по жанру это драма, а если подумать, то, конечно, можно определить и как «лав стори», однако не совсем типичная любовная история, поскольку здесь больше о любви не к партнеру, а к себе любимому. Но в мире есть масса разновидностей этого всеобъемлющего чувства и по объекту и по виду, так что и такая разновидность имеет право на то, что бы в ней разобраться. И нужно сказать, что авторы делают это с большим мастерством, тонкостью и глубиной, да еще и в необычном месте… Поскольку согласитесь, о какой такой высокой любви может идти речь между торговыми рядами супермаркета. И тем не менее в любой самой прозаической среде есть место красоте и любви. Пусть даже в пределах ареала сетевого магазина.

Я не буду описывать сюжет или героев. Скажу о сути того, что хотелось донести автору. Он рассказывает о том, какой может быть красивой повседневная жизнь обычных рабочих людей, несмотря на все трудности и неприятности этого мира в виде безденежья, убогой квартиры, невозможности дать детям достойное образование. И пусть по сути, история весьма мрачна, рассказаны она без трагедии или слезливых сантиментов. Просто и трогательно. И это дорогого стоит.

В любом случае, когда в основу фильма кладется некий литературный источник, это имеет ряд последствий. С одной стороны, облегчает написание сценария. Но с другой, несколько урезает возможности художественной фантазии режиссера. Еще острее в этом плане дело обстоит в том случае, когда в основу самой книги положена реальная биография реального человека, а уж если это автобиография, то тем более.

Но, как говорится, кому война, а кому и мать родна. И поэтому все эти сложности могут сыграть в плюс, если для режиссера важны пока не столько собственный философский взгляд на жизнь, сколько форма. И, на мой взгляд, это именно тот случай.

У французского режиссера Совера своя фильмография пока не слишком обширная, хотя работает он с 2001 года, что свидетельствует о том, что он тщательно подходит к выбору материала. Профессиональный опыт он приобретал, работая ассистентом у интересных режиссеров. Достаточно назвать Гаспара Ноэ. Вообще, предпочитает авантюрные ленты, и очень любит снимать в экзотических странах, ну, например, у него был опыт съемок в Колумбии, где он снимал картину «Медельинский картель» в 2004 году или в Либерии, где он снимал картину «Джонни - Бешенный пес» через четыре года. И все это важно для понимания выбора темы следующего проекта.

На этот раз это экранизация автобиография Билли Мура. Это реальный боец без правил, британец по происхождению, который в настоящее время подвизается в уличных боях в Бангкоке. Обычный лондонский гопник, который волею судьбы оказался в Тайланде, и там уже оторвался по полной, и в плане драк, и в плане наркоты, и за последнюю оказался в туземной тюряге. Но сильные люди найдут обратный путь даже от точки полного отчаянья. И только благодаря умению драться Мур обретает надежду на то, что ему удастся выжить.

Отметим, что вообще он личность весьма приметная. В Британии ему тоже довелось помыкаться по тюрьма. Там и грабежи и драки, и воровство. Но все же сумел вытянуть себя из этого дерьма. Достаточно сказать, что он был каскадером у Сталлоне на легендарном «Рэмбо».

Правда, особо проблемные моменты жизни героя Совер опустил, за пять минут предоставив его зрителю отвязным и разухабистым боксером, который вдруг попадает в реальный тюремный ад таиландской системы. И потом начнется основное – сами бои. Та самая форма, ради которой все это варево и замутили. И это действительно сделано красиво. И не правда, что такие фильмы только для мужчин. Не сомневаюсь, что любой женщине будет интересно посмотреть на движения таких красивых и сильных мужских тел.